Quando falamos em ousadia na arquitetura, estamos nos referindo a projetos ousados e sem remorso. Designs ousados roubam a cena, muitas vezes se tornando um marco em seu contexto. Seja um arranha-céu angular ou uma casa extravagante, esses projetos evocam fortes respostas emocionais e proporcionam um senso de lugar e identidade.
Você já se perguntou como um design arrojado pode transformar nossos espaços de convivência e impactar nossas experiências cotidianas? No âmbito da arquitetura moderna, a fusão de criatividade e funcionalidade dá origem a estruturas que não apenas atendem a um propósito, mas também marcam presença. Ao adotar um design arrojado, podemos criar ambientes que ressoam com nossas aspirações e contam nossas histórias.
O design arrojado vai além da mera estética; ele abrange uma filosofia que desafia convenções e remodela nossa compreensão da arquitetura. Essa abordagem utiliza formas marcantes, cores vibrantes e materiais inovadores para criar espaços que nos cativam. Ela ultrapassa limites e nos incentiva a pensar de forma diferente sobre o que nos cerca.
As influências culturais desempenham um papel significativo na formação de designs arrojados. Arquitetos frequentemente se inspiram em tradições, materiais e histórias locais para criar peças que ressoam com seu ambiente. Ao fazer isso, eles criam não apenas abrigos temporários, mas representações eternas de nossa identidade e valores coletivos.
Características do Design Ousado
Entender as principais características de um design arrojado nos ajuda a apreciar as complexidades por trás de estruturas impressionantes.
- Formas e formatos únicos: Uma das marcas registradas do design arrojado é o uso de formas e formatos únicos. Arquitetos frequentemente experimentam linhas não lineares, ângulos excêntricos e curvas fluidas para criar uma linguagem visual inteiramente própria. Essa singularidade não apenas se destaca, mas também desafia nossas percepções de espaço.
- Paletas de cores vibrantes: A cor tem o poder de evocar emoções e definir estados de espírito. Designs ousados costumam utilizar paletas de cores vibrantes, trazendo vida a ambientes monótonos. Seja uma fachada vermelha vibrante ou uma série de murais lúdicos, incorporar cores de maneiras inesperadas nos convida a um envolvimento mais íntimo com a arquitetura ao nosso redor.
- Materiais Inovadores: A inovação prospera em designs arrojados. Arquitetos experimentam novos materiais e técnicas de construção, o que lhes permite desafiar os limites do possível. De recursos sustentáveis a tecnologia de ponta, a forma como construímos define os espaços que habitamos.
- Integração com a Natureza: A natureza costuma servir de inspiração para projetos ousados. Ao se integrarem harmoniosamente ao ambiente circundante, essas estruturas não apenas aprimoram a estética, mas também promovem a sustentabilidade. Janelas amplas, telhados verdes e paredes verdes são apenas algumas das maneiras pelas quais os arquitetos integram a natureza em seus projetos para criar espaços convidativos.
O papel da tecnologia no design ousado
A tecnologia desempenha um papel fundamental na arquitetura moderna, permitindo-nos concretizar conceitos que antes pareciam impossíveis.
- Design Computacional: Por meio do design computacional, podemos criar formas complexas que são visualmente impressionantes e estruturalmente sólidas. Ferramentas digitais permitem que arquitetos visualizem e manipulem suas ideias de maneiras que os métodos tradicionais jamais conseguiriam, abrindo caminho para designs criativos que definem tendências.
- Impressão e Fabricação 3D: A tecnologia de impressão 3D está revolucionando a forma como pensamos a construção. Ao permitir que arquitetos fabriquem elementos complexos de uma construção no local ou em instalações especializadas, conseguimos reduzir o desperdício e criar recursos personalizados que aprimoram o design arrojado.
- Tecnologias de construção inteligente: À medida que adotamos designs arrojados, tecnologias inteligentes estão sendo progressivamente integradas aos nossos edifícios. Essas tecnologias automatizam funções, aumentam a eficiência energética e fornecem insights sobre o desempenho dos edifícios, elevando ainda mais a funcionalidade de estruturas arrojadas.
Exemplos brilhantes de design ousado.
À medida que nos aprofundamos em alguns exemplos impressionantes de arquitetura ousada ao redor do mundo, vemos como esses princípios fundamentais ganham vida.
01. As Piramides - Indianapolis - EUA.
As Pirâmides são três prédios de escritórios em forma de pirâmide que fazem parte de um empreendimento comercial de 810.000 m² em College Park, Indianapolis, Indiana, EUA.
As estruturas ocupam 180.000 m² do terreno situado próximo a um lago de 100.000 m². Elas foram construídas entre 1967 e 1972 pela College Life Insurance Company (agora parte da America Life, Inc.) usando um projeto do famoso arquiteto Kevin Roche.
Elas são conhecidas por sua qualidade abstrata da opacidade das paredes de concreto que ficam de frente para uma rodovia próxima e pela refletividade das paredes de cortina de vidro que ficam de frente para os jardins paisagísticos.
Cada torre é composta de duas paredes de concreto armado, das quais projetam os pisos desobstruídos dos escritórios. Essas paredes de concreto fornecem suporte para os pisos e também servem como núcleos de serviço em forma de L.
As outras duas paredes são cobertas com vidro azul exterior e cada edifício é conectado ao outro por passagens subterrâneas e acima do solo.
Cada pirâmide possui três elevadores de cabos. Os edifícios foram descritos como "abstratos" e "esculturais", com base no uso de paredes de concreto opacas voltadas para a rodovia próxima e vidro azul refletivo voltado para o lago interior do complexo.
Na década de 1960, a College Life Insurance Company estava se expandindo rapidamente e procurava acomodar a sua crescente equipe enquanto previa uma maior expansão.
A empresa decidiu por um projeto de Kevin Roche que consistia em nove torres de escritórios idênticas, cada uma com onze andares e cada uma com 11.000 m².
Isso permitiria a construção de mais torres, pois a empresa necessitava de espaço adicional para o escritório sem deixar edifícios inativos ou subutilizados.
Apenas as três torres iniciais foram construídas e no final dos anos 90, o local foi restaurado e a construção de mais torres parece bastante improvável.
Desde que foram originalmente construídas, a College Life Insurance Company deixou os edifícios que agora é de propriedade da Cassidy Turley Commercial Realty Services, que aluga espaço para várias empresas na área de Indianápolis.
O Instituto de Arte de Indianapolis também está localizado nas Pirâmides. Eles também são apontados como sendo um dos melhores trabalhos de Kevin Roche e contribuíram para a conquista do Prêmio Pritzker (O Oscar da Arquitetura Americana).
Via: The Pyramids
02. Edificio Neuer Zollhof - Dusseldorf - Alemanha.
Obra do genial Frank Owen Gehry, nascido Ephraim Owen Goldberg (Toronto, 28 de fevereiro de 1929), um arquiteto canadense, naturalizado norte-americano.
Ganhador de 5 Prêmios Pritzker, tido como o Nobel da Arquitetura. Nascido em Toronto numa família judaica, Gehry mudou-se aos dezessete anos para Los Angeles, Califórnia, para depois se formar na University of Southern California em arquitetura.
Depois estudou planejamento urbano em Harvard. Atualmente vive em Los Angeles.Possui dezenas de trabalhos arquitetônicos criativos e fantásticos espalhadas pelo mundo todo, uma lista completa destas obras pode ser visualizada nesta página da Wikipedia.
Neuer Zollhof, junto ao porto do Reno, é provavelmente o marco mais importante e um componente exclusivo do moderno e reconstruído horizonte de Düsseldorf-Hafen, na Alemanha.Düsseldorf.
É composto por três edifícios projetados pelo arquiteto americano Frank O. Gehry e concluído em 1998.
A fachada curva dos edifícios lhes confere a aparência de esculturas gigantes, o edifício mais alto tem 14 andares e pouco menos de 50 m de altura.
Cada edifício tem um revestimento de fachada diferente - os dois exteriores em gesso branco e tijolo vermelho, respectivamente; a fachada de aço inoxidável do edifício central reflete o material e as formas de seus dois edifícios vizinhos.
Galeria de Fotos
Via: Steemit
03. Casa Mushroom - La Jolla - California.
Obra do arquiteto Dale Naegle para Sam Bell, herdeiro da Bell's Chips & General Mills. Bell tinha comprado uma casa de verão com vista para o Oceano Pacífico e queria construir uma casa de hóspedes.
A propriedade incluía um penhasco de 91 m de altura e abaixo havia uma praia isolada só acessível na maré baixa através das escarpas rochas.
Um elevador de 91 m ligando a casa principal a casa de hóspedes foi construído em primeiro lugar, necessário para o desenvolvimento do acesso à praia.
Os surfistas que costumavam frequentar a praia de Black's deram à estranha casa o nome "Mushroom House", devido à semelhança com um cogumelo.
Atualmente a propriedade encontra-se abandonada, mas o acesso ao seu interior não é permitido.
Galeria de Fotos
Via: Local Adventurer
04. Klein Bottle House - Rye - Victoria - Australia.
Esta casa de férias de 258 m² está localizada na Península de Mornington, sudeste de Melbourne, em Victoria, Austrália. A casa foi projetada baseada no conceito matemático do Klein Bottle - termo matemático para uma superfície com uma esquerda, direita, parte superior ou inferior indefinida.
As paredes desta casa têm facetas e dobras de origami. Essa estratégia desbloqueou uma nova série de relacionamentos e experiências espaciais sequenciais. O 'conteúdo' da 'garrafa (bottle)' é uma plataforma retilínea e paredes que tornam habitável a geometria abstrata.
A casa gira em torno de um pátio central, apanhando os quartos da casa enquanto ela sobe, e a jornada termina na grande sala de estar. Há uma sensação de estar perto e longe de todos os ocupantes.
Sua qualidade interminável e ondulante, como a casca de uma árvore, proporciona uma união reconfortante. Externamente, a construção é predominantemente revestida com folhas de cimento, lembrando simultaneamente origami dobrado, tendas e o onipresente 'fibro-shack'. A casa é apoiada em uma estrutura tradicional de pinos de madeira - levada ao seu limite físico.
Galeria de Fotos
Via: Dezeen
05. Robert Bruno's Steel House - Lubbock - Texas.
Você vê pela primeira vez essa visão improvável, logo depois de entrar na Canyon View Drive, uma rua suavemente ondulada, alinhada pelo tipo de casas anônimas que definem os subúrbios americanos.
O que aparece no horizonte é algo decididamente diferente, no entanto, em breve você o encontrará em toda a sua notável glória: um organismo de quatro pernas de aço enegrecido empoleirado em uma cordilheira desalinhada, suas formas curvas se resolvendo em um cartão postal vista sobre as águas azuis de um lago de recreio.
Poderia facilmente ser algo do espaço sideral, o tipo de casa que um vilão de James Bond poderia ocupar, se ele criasse raízes em um empreendimento residencial indefinido a 15 minutos do coração sonolento do centro de Lubbock.
Lá dentro, não há alienígenas e nem bandidos de cinema. A casa em si está desocupada e existe desde 2008, quando Robert Bruno, o escultor carismático e misterioso que fez da casa a obra de sua vida, morreu aos 64 anos após uma prolongada batalha contra o câncer de cólon.
Por mais meticuloso que fosse caprichoso, Bruno construiu a casa praticamente sem assistência ao longo de 30 anos, projetando e modificando-a à medida que avançava, frequentemente arrancando porções que não o agradavam mais.
Por um capricho aparente, ele era conhecido por abandonar meses de trabalho. Foi um processo que parecia dar tantos passos para trás quanto avançar e deixou amigos e vizinhos se perguntando se algum dia ele terminaria. De fato, depois de tantas décadas, eles passaram a entender que terminar era algo que não importava para ele.
"A resposta verdadeira é que isso não é importante", diz Dudley Thompson, arquiteto aposentado de Lubbock que era confidente de Bruno há muito tempo. “Eu o visitei com frequência enquanto ele fazia isso. Isso raramente acontecia. Ele apenas gostou de fazer isso. ... Fazer como ele achava que deveria ser feito era sua única prioridade".
O próprio Bruno foi explícito sobre seus objetivos. “A motivação aqui é realmente fazer algo que tenha algum valor estético. Não estou particularmente preocupado em ter uma casa”, disse ele em um vídeo gravado no final de sua vida. "Eu construo porque gosto de fazer escultura".
No momento de sua morte, ainda estava longe de estar completo. Os pisos estavam inacabados, com vazios entre seus múltiplos níveis. O plano de Bruno de rebocar as paredes com peças vazadas de modelos femininos nus - para integrar totalmente a suavidade do corpo ao aço endurecido da casa - não foi realizado, e não ficou claro se ele havia abandonado a ideia ousada por completo.
As pernas ocas, que deveriam incluir uma biblioteca e um aquário, ainda estavam em desenvolvimento. Ele havia se mudado para um dos quartos incompletos dele nos últimos meses, então poderia pelo menos ter a chance de conhecer a casa de alguma forma durante os últimos dias de sua vida.
Hoje, a casa esta vazia e incompleta em um terreno abandonado, cheios de cactos, sucata e seu próprio equipamento de construção improvisado, uma carcaça de aço enferrujado com um futuro incerto.
Enquanto isso, grande parte de seu outro trabalho, um catálogo tão notável quanto diverso - Bruno projetou jóias, móveis, esculturas grandes e pequenas e até outra casa - é esquecido, negligenciado ou completamente perdido.
Robert Bruno posando ao lado de sua Steel House. Cortesia de Robert BrunoCom um rosto redondo, feições almofadadas e uma disposição gentil, Robert Bruno tinha o caráter de um personagem amigável da Disney.
Nascido em Los Angeles em 1945, passou a adolescência viajando entre pais divorciados nos Estados Unidos e no México. Romântico por natureza, ele tinha pouca paciência com as restrições das convenções.
Quando ele conheceu a mulher que se tornaria sua esposa, Patricia Mills, ela era uma postulante católica, a caminho de se tornar freira. Ele a cortejou enchendo sua gaveta da mesa da faculdade com flores e doces. (Eles se divorciaram amigavelmente em 2002).
Eles se mudaram para Lubbock em 1971 para que ele pudesse ensinar arte na escola de arquitetura da Texas Tech University, mas seus métodos pedagógicos peculiares, como fazer os alunos desenharem uma sala de cabeça para baixo e por dentro, desafiavam alguns tradicionalistas de maneira errada, e ele rompeu com a escola.
"Não sei exatamente o que aconteceu com seu mandato", diz Andrew Vernooy, reitor da escola de arquitetura e admirador de Bruno. "Não tenho certeza de que ele quisesse ser tão amarrado".
Ele poderia deixar o emprego e passar os dias viajando e trabalhando em sua casa porque não tinha restrições financeiras, em grande parte devido ao seu próprio gênio inventivo.
Em 1982, como presente de aniversário para Patricia, que se voltara para o ambientalismo e trabalhava para o distrito de água local, ele projetou uma unidade de irrigação que conservava água e energia.
Logo, foi adotada no sudoeste e a pequena empresa que eles fundaram para comercializá-la, a P&R Surge Systems - o nome foi retirado de suas primeiras iniciais - estava recebendo milhões de dólares em receita.
Bruno nunca teve muito interesse nessa empresa, no entanto, ele e sua esposa deixaram a empresa depois do divórcio. Antes de sua morte, ele providenciou a transferência da propriedade majoritária para Henry Martinez, 54, um funcionário leal que trabalhava na empresa desde 1986 e agora atua como zelador da casa. Foi uma atitude que os amigos descrevem como típico de sua generosidade. "Ele tirava a camisa e dava para você", diz Martinez.
De qualquer maneira, ele preferia se concentrar na casa, que era sua paixão desde 1973, quando começou a esboçar planos em pedaços de papel. Se o departamento de construção local tivesse alguma idéia de que levaria décadas para ser fabricado e que parecesse um cogumelo mecânico instável, Bruno nunca teria obtido a permissão para começar a construção.
As plantas baixas que ele enviou não pareciam ameaçadoras para os burocratas desavisados de Lubbock e não exibiam bandeiras vermelhas. Não importava que Bruno fosse um escultor e não um arquiteto licenciado; por lei, qualquer pessoa pode construir sua própria casa no Texas. (Tendo aprendido a lição, no entanto, a cidade de Lubbock não concede mais aprovações de construção em aberto).
Foi um momento inebriante iniciar esse projeto. A guerra no Vietnã ainda estava em andamento e, embora ele já tivesse sido dispensado do recrutamento, devido à sensibilidade perigosamente aguda de sua audição, seu espectro era generalizado.
A geração Era de Aquário de Bruno estava, na memorável formulação de Timothy Leary, ativando, sintonizando e abandonando.
Para os mais comprometidos, isso significava recuar voluntariamente da cultura em geral para comunidades experimentais, geralmente nos espaços abertos do oeste americano, onde a liberdade pessoal era uma tradição sagrada.
A reformulação do contrato social foi incorporada pelos espaços que eles projetaram para si mesmos, caracterizados por uma arquitetura do tipo faça você mesmo de formas orgânicas que se pensa estar em harmonia com o mundo natural.
O mais ambicioso desses coletivos foi Arcosanti, uma comunidade de estruturas arcaicas do Arizona iniciada em 1970 sob a direção do arquiteto italiano Paolo Soleri. Ela vive hoje, apoiada pelo turismo e pela venda de sinos de vento projetados por Soleri, que morreu em 2013.
Outro visionário daquela época, R. Buckminster Fuller, imaginou habitações futuristas de metal surgindo da paisagem ocidental. O inventor da cúpula geodésica, uma das favoritas da nova era, Fuller era famoso por perguntar aos arquitetos: "Quanto pesa sua casa?"
Bruno era incomum, pois ele podia responder prontamente e com um alto grau de precisão: cerca de 110 toneladas. Enquanto a pergunta de Fuller era carregada de noções utópicas de sustentabilidade - ele achava que as casas na "nave espacial Terra" deveriam usar o mínimo de material possível - para Bruno era mais uma questão de economia prática.
Ele sabia quanto pesava sua casa, porque havia comprado os pedaços de chapa de aço de um quarto de polegada usados para construí-la por libra, e soldara cada uma dessas peças no lugar com suas próprias mãos.
“Foi um trabalho de vida”, diz Mark Gunderson, um arquiteto de Fort Worth que manteve uma amizade duradoura com Bruno depois de fazer uma aula de desenho com ele na Texas Tech em 1973.
“Ele achava ridículo que os arquitetos tivessem concebido alguma coisa e desenhado e depois dava para uma outra pessoa construir e que tudo tinha que ser feito em uma folha de papel e você nunca tinha a chance de revisitá-la”.
Galeria de Fotos
Via: Dallas News
06. Interesting Architecture - MGM - Macau - China.
Macau foi colonizada e administrada por Portugal durante mais de 400 anos e é considerada o primeiro entreposto, bem como a última colônia europeia na Ásia.
Com uma superfície total de 28,6 km² e uma população de 538 mil habitantes, sendo a esmagadora maioria de etnia chinesa. Foram feitos muitos aterros na foz do rio das Pérolas para conseguir mais espaços para construção.
E esta pequena Ilha está conseguindo mesclar harmoniosamente o antigo com o moderno, cuidando e zelando pela preservação e construindo dezenas de prédios de arquiteturas arrojadas.
Confira abaixo uma pequena amostra da modernidade e do arrojo arquitetônico de Macau em empreendimentos efetuados principalmente pela rede de hotéis e cassinos MGM:
O MGM Macau, anteriormente conhecido como MGM Grand Macau, é um resort de cassino de 35 andares e 600 quartos localizado na Península da Sé, em Macau.
Sob uma subconcessão aprovada pelo governo de Macau, o projeto pertence e é operado como uma joint-venture (50%-50%) entre a MGM Resorts International e Pansy Ho, filha do magnata do cassino de Macau, Stanley Ho.
A subconcessão é um dos vários exemplos de construção de novos cassinos após o fim do monopólio concedido pelo governo por décadas a Stanley Ho.
O MGM Grand Macau foi inaugurado em 18 de dezembro de 2007 a um custo de US $ 1,25 bilhão. O empreendimento foi renomeado para MGM Macau, como parte do reposicionamento da MGM Mirage em 2010 para a MGM Resorts International.
Recentemente a MGM Resorts International inaugurou um outro empreendimento, denominado MGM Cotai, a um custo de US $ 4,5 bilhões, esse novo resort de cassino possui 1.400 quartos.
Galeria de Fotos
Via: MGM Macau
07. ATT Tower - Minneapolis - EUA.
Com 33 andares e marcando a linha do horizonte de Minneapolis, a ATT Tower é a terceira e última fase do desenvolvimento do Centro Internacional de Ryan. Com vidro refletivo verde e prata, é um complemento emblemático ao International Center I e II, que fica ao lado.
Átrios elaborados, passagens aéreas e três níveis de estacionamento subterrâneo aquecido ligam intimamente a Torre ATT com suas torres associadas. Um senso de comunidade e um cronograma mestre eficaz do caminho crítico tornaram possível concluir este projeto um mês antes do previsto.
Com seus ativos e comodidades de alta qualidade e recursos de design sustentáveis e econômicos, a ATT Tower é um edifício atraente para inquilinos e investidores.
É o 14º edifício mais alto da cidade. Uma passarela aérea liga o edifício à Torre TCF e ao Centro Internacional Foshay Tower que fica do outro lado da rua ao norte.
O lobby do piso principal é compartilhado com o Oracle Center. O primeiro e segundo andares contêm restaurantes e inúmeras pequenas lojas.
Galeria de Fotos
Via: RYAN
08. IAC Blues - Nova York - EUA.
Desconstrutivista, puro, cheio de cor e essência, assim é o IAC Blues, uma maravilha em cada traço desenhado pelo talentoso gênio do arquiteto Frank Gehry.
Localizado no bairro de West Chelsea, Manhattan, equilibrando formas suaves que evocam as velas de um navio, como em muitos dos projetos deste genial arquiteto. A construção começou em junho de 2004 e foi concluída em abril de 2007. Foi o primeiro projeto realizado por Frank Gehry na “Big Apple”.
O edifício de 10 andares é dividido horizontalmente em dois níveis principais de cinco andares cada, com um estreitamento no sexto andar. É dividido em cinco seções verticais em níveis inferiores e três em cima, realçando ainda mais a aparência das velas de um navio.
As seções parecem torcidas e unidas como as células de uma colmeia. A pele das unidades celulares parece velas no esqueleto do edifício. Por sua forma, composição e cor também é conceitualmente relacionado a um iceberg.
As janelas que cobrem toda a altura de cada planta transparente desbotam para o branco, criando a impressão de que o edifício é composto por dois andares, em vez da estrutura real de 10 andares.
Como todos os projetos de Frank Gehry, o IAC tem detratores e defensores. A revista Vanity Fair comentou que talvez seja um dos prédios de escritórios mais atraentes do mundo.
A forma do IAC é dada por uma estrutura de concreto armado delicadamente esculpida e revestida por um sistema de cortina de vidro. A irregular fachada de vidro é o ponto culminante do projeto e escultural.
Era necessário criar uma solução estrutural inovadora para ir adiante e dar vida à caprichosa fachada. Muitas das colunas de suporte foram colocadas em um ângulo em vez de vertical, criando assim uma forma incomum para o esqueleto estrutural de concreto.
A estrutura de 10 pavimentos é dividida horizontalmente em dois corpos, sendo os níveis superiores, correspondentes aos sótãos, afastados do nível da rua. Essa retração permite a criação de terraços e reduz sua escala global.
O projeto livre de curvas e formas exigiu um material mais maleável que o aço para criar o suporte do edifício. O que surgiu foi um intrincado sistema de lajes e colunas de estrutura de concreto armado.
Um equipamento de levantamento a laser guiado ajudou engenheiros e construtores a encontrar a posição exata de cada componente estrutural.
Uma Construção Especial
- Contém a primeira cortina de vidro do mundo deformada a frio, por isso a parede foi deformada “in situ”.
- Apenas duas colunas formam a estrutura de quadro vertical. Todos os pilares de concreto armado são inclinados, alguns deles até 25° na vertical.
- 30-50cm - As grossas paredes do edifício servem de peso central para compensar o efeito de torção dos pilares estruturais. O núcleo também contém a escada de incêndio do edifício.
- Durante a construção, a colocação das lajes de piso em 50% reduziu o tempo necessário quando comparado com o sistema tradicional de piso estrutural em aço. Um ciclo de dois dias é um processo único que permite a concretagem em dias alternados, na forma de construção das lajes. O concreto é melhorado com aditivos que permitem um ajuste mais rápido.
- A estrutura de concreto possui placas com espessura de 30-50 cm e iluminação de 10-50 m.
- O nível do edifício avança 47,24 m sobre a rua.
- O concreto armado “in situ” oferece excelentes características acústicas e inífugas.
- As lajes de piso incluem inúmeras janelas que oferecem vistas para o edifício.
- Em alguns cantos do prédio, o vidro gira 150 graus do chão ao teto.
- Cada unidade de parede cortina contém três painéis, dois laminados e um terceiro temperado, separados por um espaço de ar isolante.
O diretor do IAC mudou o material da fachada, escolhendo vidro enrugado liso em vez de placas de titânio, como Gehry havia planejado originalmente. Este é o primeiro projeto arquitetonico de edifício com uma fachada de vidro completa.
Antes da construção da fachada inovadora, ela foi testada em laboratório para garantir sua durabilidade estrutural e ambiental. Ventos de força de furacão gerados por motores turboélice foram usados.
Os cerca de 1.437 painéis de vidro que revestem a fachada, dos quais 1.349 são únicos em forma e grau de torção, foram fabricados na Itália.
Estes painéis têm medidas bem maiores 10,67 m x 6,71 m. Valendo-se de um avanço tecnológico para o desenho de fachadas, alguns dos painéis de vidro foram moldados ou curvados “a frio” durante a colocação.
A cor branca do vidro é dada pelo conjunto que inclui padrões de pontilhados cerâmicos, assim refletem a luz, reduzem o brilho e dão ao edifício o seu aspecto de “revestimento de açúcar”.
O vidro poroso melhora o desempenho ambiental do edifício para atuar como um protetor solar integrado.
Galeria de Fotos
Via: Wiki Arquitectura
09. Hotel Marques De Riscal - Elciego - Espanha.
A vinícola Marques de Riscal é a mais antiga e tradicional da Rioja. Foi fundada em 1860 e se destaca pelo seu pioneirismo, inovação, inconformismo, e introduz novas técnicas de elaboração e produção do vinho francês.
Sempre um passo à frente dos concorrentes, inova sem esquecer as tradições. Neste quadro que alia tradição e futuro, nasceu a ideia de construir algo revolucionário, capaz de simbolizar o espírito inovador da empresa.
Em 1998 Marques de Riscal torna-se pioneira na ideia de conjugar o espaço de produção com um espaço de lazer, e dá um passo em frente ao criar a Cidade do Vinho, que pretende divulgar o vinho, a sua história, cultura e filosofia, incluindo uma área de vinoterapia, um museu do vinho, um centro de pesquisa e formação do vinho, além de todas as infraestruturas de uma adega como a Marques de Riscal.
O eixo principal desse complexo, é o hotel desenhado pelo famoso arquiteto Frank O. Gehry.
Gehry decidiu visitar o local, como uma etapa preliminar para a aceitação da missão. Meses depois passou um fim-de-semana na adega e provou alguns dos seus vinhos, incluindo um ano do seu nascimento, 1929.
Nesta altura, e depois de saber mais sobre o local, as suas gentes e as necessidades do programa, apostou e acreditou no projeto , imbuindo-se inteiramente do espírito desta adega centenária.
A arquitetura de Gehry segue um estilo escultórico e uma visão pessoal da arquitetura, criando esculturas funcionais. Combina curvas sensuais com massas de formas complexas, inova e cria uma nova linguagem arquitetônica para alcançar resultados importantes e novos.
Gehry apresenta algo inovador e vanguardista, de acordo com o espírito de Marques de Riscal.
A explosão de cores e formas cria um movimento através de formas que fogem do edifício alicerçando a sua ascensão e se misturam em ambientes altos e olham para a paisagem ao redor.
O edifício é uma composição retilínea de prismas que flutuam acima do solo graças a três supercolunas que sustentam todo o edifício. Tudo é envolto em cascatas coloridas de titânio.
A irregularidade dos velames obrigou a realizar vários testes e provas. De um lado, o modelo foi testado em um túnel de vento no Canadá e posteriormente por outro programa de simulação CFD que possibilitou realizar uma auditoria do primeiro teste e que obteve resultados muito semelhantes.
Tudo é envolto em cascatas de titânio coloridas de rosa, dourado e prateado que a luz do dia em suas curvas reflete os tons vermelho do vinho tinto, malha dourada e prateada da cápsula sobre a garrafa do vinho Marques de Riscal.
As fachadas de pedra e janelas de madeira dialogam e contrastam com o ambiente das construções tradicionais do século XIX, utilizando um arenito com o mesmo tom da arquitetura tradicional daquela região.
Cada planta é diferente e altamente irregular, e diminui de tamanho à medida que sobe verticalmente. A elevação do edifício, graças a três supercolunas que começam nove metros abaixo do acesso ao hotel e cruzam o grande caixote do Marquês de Riscal, permite vistas espetaculares em todas as plantas, tanto dos vinhedos, como de Elciego, e a igreja com as montanhas da Serra de Cantábria como um magnífico pano de fundo.
No primeiro andar, onde estão localizados os quartos de todo o hotel, encontra-se outra planta além do restaurante, um mezanino para serviços e um andar superior com saguão para os hóspedes do hotel.
A complexa estrutura dos dosséis dá voz a um diálogo agudo entre as vinhas e o edifício. Essas formas de exercícios servem para qualificar o intenso sol de La Rioja, que emoldura as perspectivas de todas as janelas do edifício.
Galeria de Fotos
Via: Wiki Arquitectura
10. Little Crooked House (Casa Torta) - Sopot - Polônia.
A Little Crooked House (Krzywy Domek) foi construída em 2004 e é vista como a 'peça de exibição da cidade litorânea de Sopot' na Polônia.
Este prédio comercial de 4.000 m² é um ponto de referência popular para turistas e fotógrafos e foi construído em 2004 pela equipe de design da Szotynscy & Zaleski, que se inspiraram nas ilustrações de livros infantis de Jan Szancer e pela arte de Per Dahlberg, cujos desenhos podem ser encontrados no interior, e faz parte do Shopping Center Rezydent.
O design surreal do edifício incorpora paredes tortas, janelas com moldura de arenito, decorações em elevação de pedra e vitrais arquitetônicos curvos, coberto por um telhado côncavo que usa telhas esmaltadas azul- esverdeadas para dar a impressão de um dragão de desenho animado.
O prédio abriga lojas , escritórios , restaurantes e bares, bem como a versão polonesa da Calçada da Fama de Hollywood.
Galeria de Fotos
Via: Atlas Obscura
11. Waldspirale (Forest Spiral) - Darmstadt - Alemanha.
O Waldspirale é um complexo residencial de estilo expressionista que começou a ser construído na década de 1990 e terminou em 2000, mesmo ano da morte de seu criador. O nome deriva de uma “espiral arborizada” que reflete tanto a planta geral do edifício quanto o fato de ter um telhado verde.
Foi projetado pelo artista austríaco Friedensreich Hundertwasser e planejado e executado pelo arquiteto Heinz M. Springmann que já havia participado com Hundertwasser em vários projetos.
A influência de Hundertwasser se estende à forma e no design do edifício, bem como no design das instalações externas. Hundertwasser originalmente desenhou em um guardanapo enquanto jantava com seu cliente.
O projeto básico não mudou significativamente a partir deste conceito original. O Waldspirale foi a última das criações do artista que morreu em 2000.
Hundertwasser projetou vários edifícios na Áustria e na Alemanha, mas o Waldspirale é um forte testemunho da pouca simpatia que o artista tinha pelas linhas retas em favor de linhas suaves e arredondadas e sua lealdade à natureza.
Waldspirale se traduz como “espiral arborizada” e é exatamente isso, um grande edifício em espiral coberto por um telhado ondulado no qual cresce uma incrível floresta de faias, bordos e tílias. Pode-se dizer que o edifício abriga seres humanos e árvores.
"Se o homem caminha no meio da natureza, então ele é então ele é um hóspede da natureza e deve aprender a se comportar como um hóspede bem-educado”. Como pioneiro dos telhados modernos com vegetação, ele comentou: “A grama e a vegetação da cidade devem crescer em todos os espaços horizontais, ou seja, onde cair chuva e neve, a vegetação deve crescer nas ruas e estradas, e nos telhados".
As fachadas foram desenhadas por Hundertwasser como uma alegoria das camadas da terra, dos sedimentos que foram depositados através dos milhões de anos.
Visto de fora o Waldspirale, aprecia-se os gostos pessoais de seu projetista, Hundertwasser : ausência de linhas retas, já que o artista as definia como “ferramentas do diabo”, cúpulas douradas em forma de cebola, pintura multicolorida em sua fachada e colunas de cerâmica.
O edifício começa a subir no canto sudoeste do lugar, um prado que sobe constantemente até uma altura final de 9 andares no canto sudeste onde uma torre de 12 andares se eleva a 41 metros proporcionando um sotaque único.
O Waldspirale é formado por 110 unidades das quais 105 são apartamentos, com uma fachada perfurada por 1048 janelas de diferentes formas e tamanhos que não seguem uma linha definida.
Em sua parte mais alta atinge 12 andares. No total a área residencial ocupa uma área de 8.800 m². O edifício tem estacionamento subterrâneo.
A estrutura em forma de U desenvolve-se em torno de um pátio interior ajardinado com um curso de água e um parque infantil. Em seu deck arborizado o complexo conta com uma cafeteria e um bar.
Nos pisos restantes funciona uma agência de viagens e uma loja de souvenirs, de todos estes espaços avista-se o interior do edifício.
As rampas em espiral na cobertura e ao redor do perímetro tornam todos os andares do edifício acessíveis sem escadas ou elevadores. Moldes especiais tiveram que ser fabricados para produzir as formas arredondadas incomuns da estrutura.
Essas formas também se movem para os interiores onde os cantos entre paredes e tetos são arredondados em cada apartamento.
Outra das suas particularidades é a fachada única que não obedece a uma organização quadriculada regular e a colocação de janelas “off-line” em toda a superfície da mesma, algumas das quais estão desativadas devido à vegetação que a cobre.
A fachada é baseada no conceito de transferência dos estratos de terra ou linhas de sedimentos para a estrutura. Consequentemente, podem ser encontradas faixas de cores vivas, que vão do branco ao ocre e vermelho, que se estendem ao redor do edifício separadas por faixas de cerâmica.
Galeria de Fotos
Via: Wiki Arquitectura
12. Torre Agbar (Barcelona, Catalúnia)
Projetado pelo famoso arquiteto francês Jean Nouvel, a Torre Agbar é um arranha-céu de 38 andares que cobre cerca de 50.693 m² de área total. O seu nome oficial é "Torre Glòries".
A construção começou em 1999 e, em 2005, foi inaugurada como sede principal do Grupo Agbar, a empresa homônima a qual ela pertence que também inclui a empresa local de abastecimento de água, Aigües de Barcelona (Águas de Barcelona).
Apesar de inicialmente ter atraído algumas críticas por sua forma incomum, hoje a torre é considerada um dos marcos mais emblemáticos da capital catalã e tornou-se um símbolo da nova face de Barcelona.
Talvez não seja coincidência que o edifício esteja localizado no bairro de Poblenou: outrora o coração industrial de Barcelona, hoje seus armazéns e fábricas estão sendo convertidos em estúdios de arte, espaços de trabalho e micro-cervejarias, com a jovem elite urbana da cidade se mudando para lá.
A forma suave e esférica da estrutura atraiu comparações com o edifício 30 St. Mary Axe de Norman Foster em Londres, mais conhecido como 'The Gherkin'.
Em seu design, o próprio Nouvel disse que se inspirou nas montanhas próximas de Montserrat, e disse que a forma do edifício representa um gêiser explodindo no céu.
Em outra ocasião, ele também reconheceu que a Torre Agbar tinha um caráter fálico - os cidadãos de Barcelona parecem concordar, pois os apelidos locais variam de 'el supositori' a outros nomes, mais sexualmente explícitos.
Apesar de sua aparência futurista, a torre também foi inspirada no passado de Barcelona e no trabalho de um de seus arquitetos mais famosos de todos os tempos: Antoni Gaudí.
Dizem que as torres dos sinos da Sagrada Família, talvez a mais famosa de todas as referências de Barcelona, foram uma inspiração direta para a Torre Agbar, e não é por acaso que há uma vista clara da catedral a partir de uma das faces da torre.
Uma das características mais marcantes da Torre Agbar é seu sistema de iluminação noturna, que envolve cerca de 4.500 dispositivos de iluminação LED capazes de produzir mais de 16 milhões de cores diferentes em toda a superfície do edifício.
Um complexo sistema de computador possibilita que as cores podem ser programadas para seguir sequências animadas, que podem mudar rapidamente de uma cor para outra.
Além de seu exterior notável, outra característica notável da Torre Agbar é seu sistema inteligente de controle de temperatura.
Como exemplo de arquitetura de alta tecnologia, a torre conta com uma rede de sensores de temperatura colocados em sua superfície externa para regular a abertura e o fechamento das persianas, aumentando a eficiência energética com a economia de ar-condicionado.
Inspirada no passado da cidade, mas também um símbolo da nova face de Barcelona e da ampla renovação urbana que surgiu após as Olimpíadas de 1992, a Torre Agbar rapidamente conseguiu se estabelecer como uma característica definidora do icônico horizonte de Barcelona.
Galeria de Fotos
Via: The Culture Trip
13. Habitat 67 - Montreal - Canada.
O Habitat 67, projetado pelo arquiteto israelense-canadense Moshe Safdie como o Pavilhão Canadense para a EXPO 67, foi originalmente concebido como uma solução experimental para habitação de alta qualidade em ambientes urbanos densos.
Safdie explorou as possibilidades de unidades modulares pré-fabricadas para reduzir os custos de habitação e permitir uma nova tipologia habitacional que pudesse integrar as qualidades de uma casa suburbana em um arranha-céu urbano.
Segundo Safdie, "o Habitat 67 na realidade representa duas ideias em uma. Uma é sobre a pré-fabricação e a outra é sobre repensar o projeto de prédios de apartamentos em um novo paradigma".
O projeto se originou como tese de mestrado de Safdie na McGill University em 1961, intitulada "A Case for City Living (Um caso para a vida na cidade - Tradução Livre)" e descrita como "A Three-Dimensional Modular Building System (Um sistema de construção modular tridimensional - Tradução Livre)".
Dois anos depois, quando Safdie tinha apenas 23 anos e estagiava no estúdio de Louis Kahn, o orientador da tese de Safdie, Sandy Van Ginkel, o convidou para apresentar o seu projeto para a comissão organizadora da EXPO 67.
Safdie desenvolveu suas teorias originais em um plano mestre completo que continha centro de compras, uma escola e 1.000 unidades habitacionais.
Apesar da pouca idade de Safdie o seu projeto foi escolhido, mas acabou sendo reduzido pelo governo canadense para apenas 158 unidades residenciais.
O Habitat 67 foi construído a partir de 354 módulos idênticos e completamente pré-fabricados (referidos como “caixas”) empilhados em várias combinações e conectados por cabos de aço.
Os apartamentos variam em forma e tamanho, pois são formados por um conjunto de uma a quatro das “caixas” de 600 m² em diferentes configurações.
Cada apartamento é acessado através de uma série de ruas para pedestres e pontes, juntamente com três núcleos verticais de elevadores para os andares superiores.
As zonas de serviço e estacionamento encontram-se separadas das vias de circulação dos condôminos, localizadas no térreo.
O processo de pré-fabricação das caixas de 90 toneladas ocorreu no local. A forma modular básica foi moldada em uma gaiola de aço reforçada, que media 11,5 m x 5 m.
Depois de curada, a caixa de concreto foi transferida para uma linha de montagem para a inserção de sistemas elétricos e mecânicos, além de isolamentos e janelas.
Para finalizar a produção, foram instaladas cozinhas e banheiros modulares e, finalmente, um guindaste levantou cada unidade para sua posição final.
O sistema de pré-fabricação no local deveria ter reduzido o custo de produção, parte integrante da visão de Safdie para a criação de um complexo habitacional acessível. Infelizmente, devido à redução da escala de massa do projeto, os custos foram muito maiores do que o esperado.
No entanto, embora a Habitat não tenha conseguido uma nova onda de pré-fabricação, conseguiu criar uma nova tipologia de habitação que é eficaz e adaptável ao local.
Ao empilhar “caixas” de concreto em configurações geométricas variantes, Safdie foi capaz de quebrar a forma tradicional de arranha-céus ortogonais, localizando cada caixa um passo atrás de seu vizinho imediato
Este método engenhoso forneceu a cada apartamento um jardim na cobertura, um fluxo constante de ar fresco e o máximo de luz natural: qualidades sem precedentes para um complexo de apartamentos de doze andares.
O Habitat 67 foi pioneiro na integração de duas tipologias habitacionais - a casa com jardim suburbano e o prédio econômico de alto padrão.
Não apenas revolucionário em seu tempo, o Habitat 67 continuou a influenciar a arquitetura ao longo das décadas.
Galeria de Fotos
Via: Arch Daily
14. Falling Water House - Pennsylvania - EUA
Na Reserva Natural de Bear Run, onde um riacho flui a 395 m acima do nível do mar e forma uma cascata com aproxidamente 10 m de altura, Frank Lloyd Wright projetou uma extraordinária casa, conhecida como Fallingwater, que redefiniu a relação entre homem, arquitetura e natureza.
A casa foi construída como uma casa de fim de semana para os proprietários, Edgar Kaufmann, sua esposa e seu filho, com quem ele desenvolveu uma amizade por meio de seu filho que estudava na escola de Wright, a Taliesin Fellowship.
A cachoeira foi o refúgio da família Kaufmann durante 15 anos e quando eles contrataram Wright para projetar a casa, eles imaginaram uma casa em frente à cachoeira, para que pudessem aprecia-la.
Mas Wright integrou o projeto da casa com a própria cachoeira, colocando-a bem em cima da cascata para torná-la parte da vida dos Kaufmanns.
A admiração de Wright pela arquitetura japonesa foi decisiva em sua inspiração para esta casa, assim como com a maior parte de seu trabalho.
Assim como na arquitetura japonesa, Wright queria criar harmonia entre o homem e a natureza, e sua integração da casa com a cascata conseguiu isso.
A casa deveria complementar seu local enquanto competia com o drama das cataratas e seus intermináveis sons de água caindo.
A força das quedas da água é sempre sentida, não visualmente, mas através do som, pois a queda da água pode ser ouvida constantemente em toda a casa.
Wright centrou o projeto da casa em torno da lareira, o coração da casa que ele considerava o local de encontro da família. Aqui uma pedra corta a lareira, trazendo fisicamente a cachoeira para dentro da casa.
Ele também chama a atenção para esse conceito, estendendo a chaminé para cima a fim de torná-la o ponto mais alto do exterior da casa.
Fallingwater consiste em duas partes: a casa principal dos clientes, construída entre 1936-1938, e o quarto de hóspedes, concluído em 1939.
A casa original contém quartos simples mobiliados pelo próprio Wright, com sala de estar aberta e cozinha compacta no primeiro andar e três pequenos quartos localizados no segundo andar.
O terceiro andar era o local do escritório e quarto de Edgar Jr., o filho de Kaufmann. Todos os quartos se relacionam com o ambiente natural da casa e a sala de estar tem degraus que levam diretamente à água abaixo.
A circulação pela casa é feita por passagens escuras e estreitas, assim pensadas para que as pessoas experimentem uma sensação de compressão em relação à de expansão à medida que se aproximam do exterior.
Os tetos dos quartos são baixos, chegando a apenas 1,90 m de altura em alguns pontos, de forma a direcionar o olhar horizontalmente para o exterior.
A beleza desses espaços encontra-se em suas extensões em direção à natureza, feitas com longos terraços em balanço. Disparando em uma série de ângulos retos, os terraços adicionam um elemento de escultura às casas além de sua função.
Os terraços formam uma força horizontal complexa e dominante com suas saliências que liberam o espaço com seus planos elevados paralelos ao solo.
Para apoiá-los, Wright trabalhou com os engenheiros Mendel Glickman e William Wesley Peters. A solução deles estava nos materiais.
A casa assumiu "uma forma definida de alvenaria" que se relacionava com o terreno, e para os terraços optou-se por uma estrutura de concreto armado.
Foi a primeira vez que Wright trabalhou com concreto para residências e, embora no início não tivesse muito interesse pelo material, ele tinha a flexibilidade de ser moldado em qualquer formato e, quando reforçado com aço, ganhava uma extraordinária resistência à tração.
O exterior de Fallingwater impõe um forte padrão horizontal com tijolos e longos terraços. As janelas da fachada também têm uma condição especial onde se abrem nos cantos, quebrando a caixa da casa e abrindo-a para o vasto exterior.
Wright enfatiza ainda mais a conexão com a natureza pelo uso liberal do vidro; a casa não tem paredes voltadas para as cataratas, apenas um núcleo central de pedra para as lareiras e colunas de pedra. Isso fornece vistas alongadas que levam o olhar para o horizonte e para a floresta.
A perfeição desses detalhes aperfeiçoou a própria casa e, embora a casa tenda a apresentar problemas estruturais que precisam de manutenção constante devido à sua localização, não há dúvida de que Fallingwater, hoje Patrimônio Histórico Nacional, é uma obra de gênio.
De seus ousados cantilevers aos detalhes da janela de canto e ao som constante da cachoeira, Fallingwater é a prova física e espiritual do homem e da arquitetura em harmonia com a natureza. Tudo que você tem a fazer é ouvir.
Os Kaufmann foram proprietários da Fallingwater até 1963, quando Edgar Kaufmann Jr. doou a casa e seus 1.500 acres vizinhos à Western Pennsylvania Conservancy.
"Ela serviu bem como casa, mas sempre foi mais do que isso, uma obra de arte além de qualquer medida comum de excelência", disse ele. “É uma fonte de alegria sempre fluente, e fica na cachoeira de Bear Run, jorrando a infinita energia e graça da natureza. Casa e local juntos formam a própria imagem do desejo do homem de estar em harmonia com a natureza, igual e unida à natureza”.
Galeria de Fotos
Site Oficial: Fallingwater
Via: Arch Daily
15. Bolwoningen (Den Bosch, Holanda)
O bairro de Maaspoort, na cidade de Den Bosch, é um típico subúrbio holandês do início dos anos 80: pequenas ruas sinuosas e casas de cores sóbrias, com telhados inclinados e pequenos jardins frontais. Nada poderia ser mais comum.
Mas eis que algo estranho surge à vista. Ao lado de um canal e de um parque no meio do subúrbio, incrustado em uma vegetação desordenada, há um campo de 50 casas globo brancas parecidas com cogumelos, parecendo o cenário de um filme de ficção científica dos anos 60.
Em 1968, o Governo da Holanda decidiu financiar uma construção experimental de habitação de baixo custo. O projeto “Bolwoningen” do arquiteto Dries Kreijkamp foi escolhido, mas a construção só começou em 1980.
Kreijkamp, que morreu em 2014, disse que se inspirou em cabanas de barro na África e iglus inuítes. Sua lógica por trás do design é que as formas redondas são as formas mais organicas e naturais para se viver: “Vivemos em uma esfera, nascemos de uma esfera… por que não viver em uma esfera?”
Bolwoningen é composto por 50 casas esféricas feitas de cimento, reforçadas com fibra de vidro e montados em uma base em forma de cilindro.
O diâmetro de cada esfera é de 5,5 m e cada uma tem 11 janelas redondas. O layout dessas estruturas é bastante incomum.
O nível mais baixo inclui instalações de armazenamento e aquecimento central. Uma escada em espiral leva a um quarto. Continue subindo as escadas e você chegará ao nível que abriga o banheiro e o chuveiro. A parte mais alta possui uma pequena sala de estar e cozinha.
A casa pode ser completamente desmontada e transportada para qualquer outro lugar (o peso dela é de apenas 1.250 kg). Além disso, ela pode ser colocada não apenas no solo, mas também na água, em uma plataforma estacionária.
Mas para os humanos acostumados a viver em casas mais padronizadas, morar em um globo de concreto pode parecer antinatural.
Os prédios são mais adequados para pessoas solteiras ou casais sem filhos, pois o espaço interno é pequeno (55 m²).
Bolwoningen compartilha algumas características com o "Kubuswoningen" muito mais famoso ("Casas Cubo") de Piet Blom em Roterdã - construído no mesmo ano e concebido com um espírito similar.
Mas enquanto as Casas Cubo de Blom são apenas mais uma nota estranha na cacofonia arquitetônica de Roterdã, os bolwoningen são alienígenas de verdade em seu bairro de uma cidade de porte médio.
As pessoas ainda moram em Bolwoningen, e sabe-se que muitos turistas que a visitam ficam boquiabertos com suas casas incomuns.
Galeria de Fotos
Via: Unusual Places
16. Biblioteca Pública Central de Seattle - Seattle - EUA.
A Biblioteca Pública de Seattle foi inaugurada em maio de 2004. O projeto marcou o ápice da carreira do arquiteto Rem Koolhaas por ser um edifício impressionante que combina linhas futuristas com a funcionalidade de uma biblioteca.
Antes de concluir o projeto do prédio, Koolhaas se reuniu com representantes da Microsoft, Amazon e outras organizações para discutir o futuro dos livros e da biblioteca.
Em um mundo moderno dominado pela Internet e pelas mídias digitais, o livro convencional parecia fadado ao esquecimento.
No entanto, depois de muitos meses de pesquisa concluiu-se que o “livro” estava muito longe de ser uma coisa do passado. Portanto, "espiral", era uma nova forma de oferecer livros aos clientes dentro de um sistema bibliotecario.
Em vez de livros em diferentes prateleiras e pisos, a espiral inclinada permitiria que uma fileira contínua de livros os tornariam “fáceis de navegar”.
Do lado de fora, você pode ver um grande edifício de vidro com linhas retas que se cruzam. É articulado por grandes blocos em diferentes níveis correspondentes às dependências da biblioteca.
É um edifício que está em harmonia com o horizonte de Seattle e a paisagem urbana da cidade.
A biblioteca tem sido um grande sucesso para a cidade, ajudando a atrair novas atividades econômicas, muitas das quais provenientes do turismo, em seu primeiro ano, a biblioteca recebeu 2,3 milhões de visitantes.
O conceito envolve a reinvenção da biblioteca como um ponto de acesso à informação apresentada em uma variedade de mídias. “A nova biblioteca não reinventa ou moderniza a tradicional biblioteca, ela apenas é embalada de uma nova maneira”
Para isso, Koolhaas aplicou sua interpretação do conjunto de recursos e arquitetura para o projeto de que o edifício seria flexível para futuras expansões, com possibilidade de agrupamento de espaços de acordo com as necessidades do edifício e as plataformas conectadas ao estudo proporcionariam espaços abertos, trabalho e interação social.
A Biblioteca Pública de Seattle redefine a biblioteca como uma instituição não mais exclusivamente dedicada ao livro, mas como um depósito de informações onde todas as mídias potentes, formas novas ou antigas, são apresentadas de forma igual e legível.
Numa era em que a informação pode ser acessada em qualquer lugar, é a simultaneidade de todas as mídias e, mais importante, a curadoria dos seus conteúdos que tornarão uma biblioteca vital.
A flexibilidade nas bibliotecas contemporâneas é concebida como a criação de pisos genéricos nos quais quase qualquer atividade pode ser desenvolvida.
Os programas não são separados, salas ou espaços individuais não recebem caracteres únicos. Na prática, isso significa que as estantes definem áreas de leitura generosas, embora inofensivas, no dia da abertura, mas através da expansão implacável da coleção inevitavelmente invadem o espaço público.
Em suma, essa forma de flexibilidade, a biblioteca estrangula os próprios atrativos que a diferenciam de outros recursos informacionais.
Em vez de sua atual flexibilidade ambígua, a biblioteca poderia cultivar uma abordagem mais refinada na organização de compartimentos espaciais, cada um dedicado a um determinado assunto e equipado para serviços específicos. Flexível dentro de cada compartimento, mas sem a ameaça de uma seção atrapalhar as outras adaptações.
No interior do edifício, uma estrutura em espiral proporciona uma superfície contínua com prateleiras laterais revestidas que oferecem diferentes coleções temáticas.
Esta espiral de quatro andares exigiu a criação de um sistema de rampas em zigue-zague acessíveis a todas as idades e necessidades. Essas rampas são apoiadas em colunas esbeltas construídas economicamente.
O interior divide-se em 5 blocos distinguíveis do exterior: zona de estacionamento, zona pública de leitura e café implantados no grande átrio e espaço principal da biblioteca, zona de informação, coleções e salas de leitura e administração, tudo culmina num terraço na cobertura.
O terceiro andar da biblioteca é chamado de “sala de estar”. A biblioteca não usa consistentemente nomes tradicionais que ajudam a tornar a sua estadia emocionante.
A localização da série de livros é chamada de "espiral" e o espaço de computação é chamado de "câmara de mistura". As prateleiras possuem os painéis em indicadores extremos que auxiliam na organização.
A principal característica do interior são os seus amplos espaços públicos e de leitura de lazer, iluminados com a luz natural que entra pelas paredes de vidro.
Vale destacar ainda as coleções de plantas, constituídas por uma rampa que se estende por 4 pisos. Todas as áreas se unem com escadas rolantes coloridas (exceto coleções), e os móveis e objetos são de design moderno e colorido.
A biblioteca oferece um “nível de encontro” com paredes curvas pintadas de vermelho e uma área infantil com divertidas colunas inclinadas.
Galeria de Fotos
As etapas da construção.Site Oficial: SPL
Via: Wiki Arquitectura
17. Museu de Arte de Akron - Ohio - EUA.
As origens do Museu de Arte de Akron remontam a 1922, quando uma pequena e heterogênea coleção de arte voltada para os estudantes do instituto de arte de Akron estava localizada no porão da biblioteca pública da cidade.
O prédio histórico que abrigava o antigo Museu de Arte de Akron foi inaugurado em 1899 como o correio central da cidade. Construído sob a supervisão de James Knox Taylos, arquiteto do Departamento do Tesouro, foi erguido com paredes robustas de tijolo vermelho e acabamento em pedra calcária.
A fachada da Market Street é decorada com rosetas esculpidas e luminárias de latão, no piso do saguão você pode ver um mosaico representando um condutor do Pony Express.
Em 1981, após uma grande reforma, o Akron Art Museum ocupou o prédio, listado no Registro Nacional de Lugares Históricos como um exemplo do estilo renascentista italiano.O museu de hoje mudou o conceito que tinha na antiguidade, uma instituição na qual eram guardadas e expostas obras que enriqueciam o conhecimento, hoje adotou um conceito urbano mais ativo, participativo e interdisciplinar.
O Museu do Futuro é um espaço tridimensional dentro da cidade que expõe os conteúdos do nosso mundo visual, não apenas analógico ou digital, mas também adaptado às necessidades urbanas.
Isso significa que a arte deve poder fluir para fora, em direção à cidade, e esta, por sua vez, ter a capacidade de fluir para dentro do edifício.
O edifício histórico que abrigava o Museu de Arte de Akron foi inaugurado em 1899 como o correio central da cidade. Construído sob a supervisão de James Knox Taylos, arquiteto do Departamento do Tesouro, foi erguido com paredes robustas de tijolo vermelho e acabamento em pedra calcária.
O museu é um espaço híbrido onde se encontram diferentes tipos de pessoas e onde podem ocorrer eventos inesperados ou programados.
Ao invés de ir ao museu apenas para ver arte, os visitantes são incentivados a participar do diálogo artístico participando de conferências ou festivais de arte e música, que fazem deste espaço um ponto de encontro.
Abrangendo três séculos de arte, o Museu de Arte de Akron combina antigos tijolos e calcário construídos no final do século XIX com o novo edifício John S. e James L. Knight do século XXI, uma estrutura elevada de aço e vidro. Como alguns críticos afirmaram, a disparidade dos edifícios garante uma integração bem-sucedida.
O design engloba o passado, ao invés de substitui-lo ou destrui-lo e a arquitetura é usada para criar um espaço público na cidade e um espaço privado dentro da nossa própria alma, da cidade e nos reinventando ao mesmo tempo.
A nova construção aumentou dramaticamente a capacidade do museu para 6.045 m² que integra espaço adicional para galerias, um auditório e um café, criando com sua impressionante estrutura cheia de fantásticos efeitos visuais em nítido contraste com o antigo edifício, data 1899. A nova estrutura está dividida em 3 partes: o Crystal, a Gallery Box e o Roof Cloud.
O Crystal é um imponente saguão de entrada cheio de luz do dia e um espaço multifuncional, cujo conceito funcional foi inspirado de alguma forma pelo de um grande salão de banquetes.
O Gallery Box, localizado acima da entrada, é um espaço flexível para exposições, diretamente conectado às áreas de armazenamento do museu por um elevador de carga, a fim de trazer e exibir também grandes obras de arte. Este espaço não é intencionalmente iluminado com luz natural, a fim de proteger as obras de arte contra possíveis danos causados pela luz solar.
Finalmente, o chamado Roof Cloud é uma estrutura de aço em consola de 100 m de comprimento, situada no topo da expansão, que é um marco e um sistema de sombreamento, além de acomodar espaços internos e externos com vista panorâmica da cidade.
O saguão de três níveis serve como entrada principal, orientando e conectando os espaços do novo e do antigo edifício. É um grande espaço flexível que também pode ser usado para banquetes, festivais de artes e eventos patrocinados por organizações externas.
A ideia tradicional de um salão de banquetes, um espaço fechado para eventos, é dissolvida em uma experiência pública visível. Uma escada liga o piso térreo ao segundo andar e uma ponte estreita conduz à loja e escritórios administrativos.
A torre contém um elevador, mas também oferece suporte para o teto alto. Como uma escultura moderna, seu zig zag cria uma aparência de instabilidade e, como outros elementos do edifício, sua assimetria e dinâmica se relacionam com o desconstrutivismo.
A coleção do Akron Art Museum apresenta belas artes de 1850 até o presente, incluindo impressionismo americano, arte abstrata, minimalismo, pop art e arte afro-americana.
A exposição permanente apresenta, rotativamente, obras da coleção - esculturas, instalações, pinturas, gravuras, obras em papel e fotografias de artistas americanos, asiáticos e europeus aclamados, incluindo Marina Abramovic, Ansel Adams, Diane Arbus, Christo, Chuck Close, Gene Davis, Mark di Suvero, Jim Dine, Jean Dubuffet, Marcel Duchamp, Donald Judd, Yayoi Kusama, Sol LeWitt, René Magritte, Man Ray, Claes Oldenburg, Nam June Paik, Doris Salcedo, Cindy Sherman, Frank Stella, Hiroshi Sugimoto e Andy Warhol, entre outros.
O programa de eventos e atividades do museu inclui exposições especiais, visitas guiadas, palestras, conferências, programas infantis, oficinas criativas e atividades educacionais.
Totalmente acessível a pessoas com deficiência física, o Akron Museum of Art também acomoda uma biblioteca de 11.000 volumes, um café e uma loja de presentes e livraria.
Galeria de Fotos
Via: Inexhibit
18. Chemosphere - Los Angeles - EUA.
Esta casa, construída em 1960, pode ser a solução para uma construção em terreno escarpado, desnível de 45 graus, de difícil acesso, deixando quase intacta a paisagem envolvente e o impacto ambiental. No mínimo é uma obra que convida à reflexão e evita a escavação convencional da serra, os muros de contenção e o aumento do custo da obra.
Foi projetado pelo inovador arquiteto John Lautner para Leonard Malin, um jovem engenheiro aeroespacial com um terreno em declive acentuado e US$ 30.000 para gastar em uma casa que de alguma forma se erguesse sobre ele.
Devido ao baixo orçamento disponível Leonard Malin procurou patrocinadores para realizar o seu projeto que custou US $ 140.000, dos quais Malin arcou com apenas US $80.000, o restante foi aportado pela empresa de gás “Southern California Gas” e “Chem Seal Corporation” que inspirou o nome da casa “Chemosphere” e ambas as empresas experimentaram diferentes tipos de resinas, colas e revestimentos durante a construção.
Malin pessoalmente, junto com mais três operários, foi o responsável pela construção que durou 18 meses.
Construída em uma encosta íngreme em Hollywood, Califórnia, possui um lado com vista para o vale de San Fernando e outro lado para a montanha, detalhe que destaca a magnífica localização da casa, situada entre o campo e a cidade.
O que possibilita ter sentimentos muito diferentes de ambos os lados. Do lado voltado para o vale de San Fernando, está a grande cidade, casas, arranha-céus e rodovias, enquanto do lado voltado para a montanha se sente a natureza e os animais.
Erguendo-se sobre um único pilar central, a sua figura faz lembrar algumas caixas de água, torres de vigia ou qualquer torre de comunicação.
Lautner empoleirou todo o octógono de um andar em uma única coluna de concreto de 10 m de altura, deixando o ambiente natural intocado.
Uma casa de 205 metros quadrados, de formato octogonal e cujos cômodos se distribuem no mesmo andar, acessado por uma ponte pela encosta do morro, onde a estrutura fica quase no nível do solo ao qual se chega por um elevador da garagem abaixo.
Suportes de aço se projetam da única coluna para apoiar o chão da casa. A coluna de concreto, no entanto, não é o elemento que sustenta o teto da residência. Na verdade, ele nem continua no interior. O interior da casa é um espaço aberto sem colunas.
O lado norte da casa contém os espaços públicos, como a sala de estar, cozinha e sala de jantar, e o lado sul, de frente para as colinas, divide em 4 quartos e um banheiro. No pico da casa, onde estaria a coluna, Lautner colocou uma luz de teto circular para fornecer iluminação na parte mais profunda do plano. Sob esse teto, há uma lareira e uma área de estar.
A estrutura da residência é feita de aço e madeira, e o teto é suportado por estruturas curvas de madeira laminada. Esses materiais foram escolhidos devido à zona de terremoto em que está localizada, e a casa realmente resistiu a furacões e inundações, provando sua estrutura bem-sucedida. As aberturas das janelas foram colocadas ao longo do perímetro da casa, e até há uma janela na parte inferior da estrutura, sobre para a porta do bondinho do elevado.
O futurista "disco voador" de Lautner rapidamente chamou a atenção da indústria de Hollywood e, desde então, a casa apareceu em filmes e o ícone moderno flutua sobre a cidade e foi escolhida como uma das dez melhores casas de todos os tempos em Los Angeles.
Galeria de Fotos
Via: Archdaily
19. Museu de Arte Contemporânea de Niterói - Niterói - Brasil.
O Museu de Arte Contemporânea de Niterói, também conhecido como MAC, foi projetado pelo famoso arquiteto brasileiro Oscar Niemeyer e concluído em 1996.
Esta icônica estrutura em forma de pires, situada em um penhasco acima da baía de Guanabara, na cidade de Niterói, emoldura brilhantemente a vista panorâmica da cidade do Rio de Janeiro e encapsula a assinatura estética simples, mas brilhante de Niemeyer.
Embora o MAC seja frequentemente descrito como OVNI, a intenção poética de Niemeyer era que a forma surgisse "do chão" e "continuamente crescesse e se espalhasse", como uma flor que brota das pedras.
A inconfundível forma icônica do MAC transformou “a cidade do outro lado” em um destino histórico e resultou em um “Efeito Bilbao” em pequena escala, atraindo visitantes predominantemente por sua notável arquitetura.
Ao longo dos setenta anos de carreira como arquiteto, Niemeyer autografou mais de 500 projetos no Brasil (incluindo a capital Brasília ), bem como na Argélia, França, Espanha e Israel; porém, afirmou que seu museu em Niterói , juntamente com o Congresso e a Catedral de Brasília , era um de seus projetos favoritos.
Galeria de Fotos
Via: Archdaily
20. Catedral de Brasília - Brasília - Brasil.
Projetada pelo aclamado arquiteto brasileiro Oscar Niemeyer, a Catedral de Brasília é uma estrutura hiperbolóide quase em forma de coroa que parece presa ao solo. A aparência do edifício, com sua forma marcante e lindo teto de vitrais, é tão intrigante quanto sua história.
A pedra fundamental da Catedral de Brasília foi lançada em setembro de 1958. A estrutura principal da catedral foi concluída dois anos depois, mas então, como em muitas construções em Brasília naquela época, tudo parou.
O presidente Juscelino Kubitschek estava supervisionando a construção de Brasília, a nova capital do Brasil, quando seu mandato terminou em 1961. A construção de vários projetos parou, incluindo a catedral.
Para colocar as coisas em movimento novamente, a catedral foi entregue à Igreja Católica, apesar da ideia inicial de Kubitschek de criar uma catedral interdenominacional financiada pelo Estado e aberta a todas as fés.
A construção continuou novamente. A catedral foi consagrada em 1968, ainda sem teto, e finalmente aberta ao público em 1970. Tornou-se uma das muitas obras em Brasília de Oscar Niemeyer, que, neste projeto, contou com a ajuda do arquiteto e urbanista brasileiro, Lúcio Costa.
Devido às suas convicções políticas, Niemeyer foi forçado ao exílio após o início da ditadura militar do Brasil em 1964, pouco depois de ter projetado a catedral.
A Catedral de Brasília é inegavelmente um espetáculo impressionante. Seu exterior é dominado por 16 colunas curvas de concreto (Niemeyer adorava curvas), cada uma pesando 90 toneladas.
Estas colunas se curvam para dentro, encontrando-se brevemente antes de se ramificarem para fora e para cima para dar à estrutura sua forma hiperbolóide ou ampulheta.
Tem alguma semelhança com uma coroa branca ou uma coroa de espinhos, elevando-se a uma altura de aproximadamente 40 m.
Perto da entrada da catedral estão quatro esculturas de bronze representando os Quatro Evangelistas: Mateus, Marcos, Lucas e João. Cada um tem cerca de 9,8 metros de altura.
Dentro do espaçoso interior da catedral estão penduradas três esculturas de anjos de Alfredo Ceschiatti e Dante Croce. Eles variam de 2 m a 4 m de altura e ficam pendurados acima da nave da catedral. Acima deles está o teto de vitrais coloridos da catedral, composto por uma série de triângulos de 30 metros de altura.
Outros elementos notáveis da Catedral de Brasília incluem seu altar, que foi doado pelo Papa Paulo VI. Já os quatro sinos do campanário da catedral foram doados pela Espanha. A torre do sino de concreto fica do lado de fora da catedral.
Em um dos obituários de Oscar Niemeyer, que faleceu no dia 05 de desembro de 2012, aos 104 anos, consta o seguinte: “Rejeitando as formas cúbicas favorecidas por seus predecessores modernistas, Niemeyer construiu alguns dos edifícios mais impressionantes do mundo – estruturas monumentais de concreto curvo e estruturas de vidro que quase desafiam a descrição”. A Catedral de Brasília, em poucas palavras.
Galeria de Fotos
Site Oficial: Catedral Metropolitana de Brasília
Google: Google Arte e Cultura
Via: Atlas Obscura
Via: RITZY BLACK
0 Comments:
Postar um comentário